El director de 'The Changeling' habla sobre la importancia de centrarse en una mujer negra mayor en el penúltimo episodio

[This story contains spoilers from episode seven of The Changeling.]

En “Stormy Weather”, el penúltimo episodio de El reto, todos los flashbacks de la infancia de Apollo (LaKeith Stanfield) y los primeros días de la relación de su madre con su padre Brian (Jared Abrahamson) que se han esparcido a lo largo de la temporada llevan a los espectadores al Elk Hotel en Times Square, un lugar sórdido lleno de incluso recuerdos más oscuros. Es allí donde Lillian Kagwa (Adina Porter) relata el trato que hizo décadas antes, que pone en marcha la agitación que su hijo ahora está soportando como padre.

A través de una serie de monólogos, una actuación vocal y reflexiones sobre la fe, la maternidad y la identidad que se desarrollan como una obra de teatro secreta que sólo un público selecto tiene al tanto, Lillian revela la totalidad del incidente que la obligó a emigrar de Uganda a los Estados Unidos. y las escalofriantes amenazas que Brian casi cumplió un día y que la obligaron a matarlo y retirarse a la misma habitación de hotel en la que la vemos hoy, 35 años antes de planear suicidarse. Hasta ese momento, el público, como Apollo, tenía la impresión de que Brian había abandonado a su hijo.

«Es algo fundamental que ha impulsado a Apollo a lo largo de su vida», explica Michael Francis Williams, director del episodio siete. “Es por eso que vemos que no puede creerle a su esposa o que las cosas podrían estar desarrollándose como están. Él está luchando contra eso y luchando por su hijo, porque está decidido a no ser su padre.

«En este episodio podemos ver el por qué, y veremos cómo eso afecta a Apolo más adelante, cuando lo sepa», añade Williams. “Pero ahora mismo le estamos mostrando a la audiencia: esta es la razón por la que existe este gran agujero en la vida de Apolo. Sucedió algo realmente pesado que recayó sobre los hombros de Lillian para lograr sobrevivir como madre, mantener a su hijo a salvo y permitirle tener un futuro”.

Mientras revive ese momento tumultuoso de su pasado a través de su yo más joven, Lillian afirma de manera casi inquietante: «No hay nada que no hagamos por aquellos a quienes amamos». Lidiando con la realidad de que ella es una inmigrante negra en Estados Unidos que asesinó a un policía blanco, Lillian hace un trato con un poder superior para dejarla salir ilesa de su crimen. Sin embargo, el acuerdo no fue gratuito, ya que Lillian postula que su hijo Apollo ahora está pagando por sus pecados mientras continúa buscando a su esposa Emma (Clark Backo), quien él cree que asesinó a su hijo pequeño.

El viaje hacia esa conclusión es mucho menos sencillo en la pantalla en el episodio independiente diseñado de forma única, que es una de las cosas que atrajo a Williams al AppleTV+ Adaptación del libro de Victor LaValle.

“Muy rara vez veo un episodio de televisión dedicado a una mujer negra mayor en toda su complejidad y todo su interior, sus esperanzas y sueños emocionales, sus conflictos, sus cálculos, sus recuerdos y la complejidad de todo eso”, dice. El reportero de Hollywood en las preguntas y respuestas a continuación.

También le da crédito a una fuente poco probable por ayudarlo a profundizar en su creatividad para determinar cómo representar visualmente la historia de vida de Lillian.

“Grabé el episodio en Toronto la semana que [Beyoncé’s] Renacimiento salió y todo lo que hice conduciendo hacia y desde el set, lidiando con estos gigantescos temas de muerte y destrucción, fue escuchar ese álbum. De alguna manera me ayudó a imaginar”, dice Williams, quien agrega que es partidario de la pista no. 9 «El ritmo de Virgo».

«El alcance, la escala y la magia de eso, y los diferentes bolsillos en los que ella entra, si mi episodio pudiera ser una canción de Beyoncé, sería ‘Virgo’s Groove'».

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¿Qué fue lo que más te interesó al sumarte a este proyecto?

Miré al equipo de ensueño de quién se reunió para hacer esto (el libro de Victor, LaKeith adjunto, Clark Backo, Melina Matsoukas dirigiendo el piloto). Es fenomenal, además de poder trabajar con Kelly Marcel como showrunner y Adina en mi episodio. Es algo tan raro leer un programa como este. En el panorama de la televisión, no hay muchos dramas negros premium que aborden toda la gama de quiénes somos de una manera muy humana, y en este tipo de nivel elevado que atrae el realismo mágico, el horror, la mitología y todas esas cosas. Es un programa súper único y yo rogaría, pediría prestado y robaría para poder estar en él.

¿Cómo fueron esas conversaciones iniciales con Kelly Marcel cuando se trataba de hacer este episodio independiente?

Sé que al adaptar la novela del libro de Victor, ella tenía muchas ganas de ampliar la perspectiva femenina sobre estas grandes luchas humanas, tensiones y traumas que atraviesan nuestros personajes. Quería ampliar la historia de Lillian, la madre de Apolo, y estoy muy agradecida de que lo haya hecho. Como director, ves muchas cosas diferentes.

Hablando con mi líder en el programa, Adina, ambos estábamos ensayando y diciendo: «Este es un trabajo tan raro en una plataforma tan premium». Fue un regalo llegar a dirigir eso. Fue un sueño colaborar con algunos artistas realmente valientes en este programa, que siempre decían: «Sí, ¿y?» Siempre se trató de mejorar lo que podemos hacer. Incluso en el set con Kelly, ella sondeaba y yo decía: “Oye, ¿podemos ejecutar una escena de esta manera? ¿Qué pasaría si hiciéramos eso y moviéramos ese muro, lo cambiáramos, rompiéramos algunas de las convenciones de la televisión y creáramos algo nuevo para que la audiencia lo experimente?

Ella siempre fue una colaboradora positiva en eso, ayudándome a elevar lo que podíamos hacer y lo que podíamos sentir para ponerte en el lugar de Lillian. Todas las opciones estéticas de mi episodio están ahí para sumergir a la audiencia en su lugar emocional subjetivo en el mundo. No son estilo por el estilo. Están ahí para ponerte hombro con hombro con ella mientras examina estas partes de su vida que la han llevado a esta noche oscura del alma.

¿Cuánto tiempo tuviste para darle vida a este episodio desde el punto de vista de la producción?

La producción televisiva es un tren fuera de control. Para un solo episodio, ocho días es algo bastante estándar. Y luego, dentro de eso, estoy tratando de lograr la ópera y Broadway, un drama psicológico profundo y tantas cosas. Estuve en una reunión con nuestro productor David Knoller, creo que fue una lectura de mesa, y él garabateó en su guión: «El episodio de la botella se ha convertido en una magnum», y yo dije: «Sí». Entonces, tengo que agradecer a nuestros productores y a Apple TV+. Siempre apoyaron esa visión de elevar, impulsar, expandir. También tengo que felicitar a mis actores porque este tipo de monólogos largos son realmente difíciles de lograr, y la forma en que Adina se apropió, encarnó y canalizó a sí misma en este personaje fue simplemente increíble de ver y presenciar. Estoy ahí para protegerlo, darle forma, levantarlo y presentarlo a una audiencia.

Una de las escenas que curiosamente alivia la pesadez del episodio es cuando Lillian le canta “Stormy Weather” al joven que está muriendo en el hotel. ¿Puedes hablar sobre lo que transmite esa escena y elegir su momento específico en la mitad del episodio?

Hay una línea en el programa, «Elegimos nuestros sueños como una obra de teatro», y un dispositivo que Kelly decidió fue que varios actores interpretarían múltiples roles dentro de la temporada, y eso llega a un punto crítico en este episodio. El momento es el Nueva York de los años 80, Times Square, un pequeño motel plagado de pulgas (un momento y un lugar muy específicos) y parte de esa elección es tranquilizar a la audiencia. En ese momento estaban ocurriendo algunas cosas de la vida real, como la epidemia de SIDA. Entonces, ese momento se basó en el paciente cero al comienzo de esta epidemia, pero también es Lillian reimaginando su propia historia en este momento de la historia. Podemos revivir sus propias luchas con el padre de su hijo y cómo las cosas se complicaron en ella, y tuvo que tomar una decisión que cualquier madre tomaría. Hay temas grandes y de peso y mi trabajo como director es abordarlos de manera comprensiva, pero también transportar al público al sentimiento emocional de lo que está pasando Lillian. Entonces, entramos en “Stormy Weather” y estamos en un escenario de Broadway, y luego está la sensibilidad de alguien que fallece y alguien que se reencuentra a sí mismo.

Adina Porter en El reto.

Cortesía de Apple+

Es un acto de cuerda floja y sólo tuvimos unas pocas horas de una noche para llevar a cabo toda esa secuencia. Es algo realmente desafiante como director, pero realmente emocionante. Me encanta asustarme así. Siempre les pido a mis actores que salten por el precipicio. Siempre les pido a mis actores que se destaquen, sientan miedo y lo hagan de todos modos. Y yo, como artista y director, siempre quiero sentir que estoy haciendo un trabajo que también da ese mismo salto porque quiero hacer que el público sienta algo. Siempre voy a utilizar muchas habilidades diferentes para hacer eso. Mi trabajo es intentar sumergirte, sacarte de la escena y ponerte en nuestros escenarios.

Hasta ese punto, hay una inscripción del libro que aparece al final del episodio que detalla la Gran Huelga de Basura de 1968. ¿La decisión de incluir eso también fue parte de la base de este cuento de hadas?

Sí, esta serie en su conjunto es una adaptación realmente fiel del libro de Víctor. Las novelas tienen un tejido matizado súper complejo de capas, legados y todo tipo de cosas que funcionan en la página y trasladar eso a una pantalla es difícil. La televisión es una bestia diferente. Pero tomamos la decisión de ser realmente fieles al trabajo de Víctor, así que cosas así, para mí, son anclas útiles para la audiencia. El chico que encuentra en esa habitación, la elección de esa canción, los recuerdos que tiene la gente, la huelga de la basura, son cosas que nos anclan a un tiempo y un lugar. Le recuerdan a la audiencia dónde estamos en el mundo, porque estamos haciendo estos gigantescos vuelos de fantasía donde los techos desaparecen, las paredes se deslizan hacia atrás y los escenarios se abren de golpe. No quiero perder audiencia al dar estos momentos.

En un par de sus monólogos, Lillian habla de esta idea de americanidad y dice al final de su terrible experiencia con el padre de Apollo: «Finalmente me siento como una estadounidense». ¿Qué crees que quiere decir cuando dice eso?

Es complicado, ¿no? Es una historia de inmigrantes con la que me identifico. Vivo en Los Ángeles, soy de Londres, he estado aquí durante siete u ocho años, así que estaba realmente interesado en el punto de vista de Lillian sobre este sueño de Estados Unidos; lo que dejas atrás, lo que encuentras aquí. La realidad, a la hora de sobrevivir, prosperar o aprender, es complicada. Es una línea puntiaguda al final del episodio, y estoy seguro de que Kelly o Victor podrían responder mejor a esto específicamente, pero me gustó cómo su personaje lucha con su identidad. Dejar un lugar como Uganda y aterrizar en Times Square es como aterrizar en Marte. Es como un viaje en el tiempo. Entonces, su lucha con “¿Quién soy yo en este momento? Sé a lo que sobreviví, sé lo que he creado, sé lo que espero y sé de dónde vengo”: todas esas cosas que ella mira en este episodio y con las que se aleja, creo que al recordarlas. hay una especie de perdón hacia ella misma. Ella logra dejar la culpa de esa confusión sobre los hombros del hombre que causó la peor parte. Y ella es capaz de salir a la calle y hacer que el episodio se centre menos en su propia interioridad y pararse en Times Square y decir: Soy parte de esto. Soy parte de algo más grande. No soy sólo las cosas que me traumatizan y atormentan por dentro. Aquí estoy en este mundo y aquí puedo dar un paso adelante y construir.

En medio de muchas de las primeras críticas a esta serie, el episodio siete fue en general bien recibido por los críticos. ¿Por qué crees que es?

Creo que hace algo realmente audaz, desafiante y nuevo para la televisión. El panorama es amplio en este tipo de momento, la segunda edad de oro de la televisión. Para los dramas negros premium, de los cuales hay muy pocos, este es un programa y un episodio únicos. Creo que funciona gracias a la serie. Funciona gracias a lo que Melina configuró en el piloto, las elecciones tonales, las reglas, el lenguaje cinematográfico que ella eligió y que Jonathan Van Tulleken llevó a lo largo de la serie y en el que Slick Naim trabajó en el final para que cuando llegue a En el penúltimo episodio, puedo subvertir algunas de estas reglas, romper algunas de estas paredes, porque estamos tratando de entrar en su mente y examinar este desmoronamiento. Sólo puedo hacer eso si el resto de la serie ha hecho un trabajo increíble al crear algo sólido que luego pueda interrogar. No existe de forma aislada. Kelly realmente me dejó irme.

Entrevista editada para mayor extensión y claridad.

El final de El reto lanzamientos el viernes.